La revista del #10nmpnu haciendo papel, también con ilustraciones.

En otoño e invierno apenas hay gente en la zona de la playa de Nules. Incluso parece que el mar se puede escuchar desde cualquier rincón. Las olas rugen con fuerza y rompen contra la arena y las rocas, modificando un paisaje que se transforma por completo a la habitual postal veraniega. Hay soledad, pero también, pese al rumor del mar, calma y paz. Probablemente es uno de los mejores lugares en los que poder aliviar la tensión mental. También es el nido artístico del músico y artista plástico Jose Gas y sus dibujos; sus líneas analíticas y mentales que respiran, de forma casual, a través de su bolígrafo.

En ese mismo lugar, con la playa de Nules de fondo y entre carpetas con infinitos dibujos, lo encontramos. El dibujo, una acumulación de circunferencias perfectamente imperfectas, como las mejores cosas. Ese dibujo de Jose Gas que mirábamos desde aquel lugar en la playa de Nules fue la primera pieza artística que pasó a formar parte de cada una de las que visten la publicación conmemorativa del décimo aniversario de Nomepierdoniuna. También la que abre la revista, la que acompaña a las otras 7 que puedes encontrar entre sus páginas y una de las que darán forma a la exposición Miradas, trazos y colores para seguir sinperdernosniuna - #10nmpnu en el Emac. (15-17 febrero) en el CMC La Mercé de Burriana y que se inaugurará el sábado 16 a las 11.30 (entrada libre) y permanecerá activa durante todo el festival. La exposición también servirá para conocer los entresijos de la publicación del #10nmpnu, ya que la revista se podrá adquirir de forma gratuita en el propio festival.

Siete artistas darán forma a la exposición con el propósito de ilustrar 10 años de cultura a través de distintas miradas. De cómo acabar en una playa de Nules y el bolígrafo de Jose Gas o de que la acidez de No me toques los copys te pegue una bofetada crítica, irónica y directa. También perderse en las miradas de los retratos de No oblidar de Sara Bellés y la belleza de sus pinturas, el brillo y la intensidad con los que miramos al pasado; la historia que se encuentra tras los trazos de El pez de cabellera blanca de Paula Zorite, y que cierra la publicación; la oda a la libertad a través de la fuerza del movimiento y del color con una de las partes que dan forma al díptico Fly de Ana Beltrán; o cómo es posible, a través de la ilustración, plasmar ese preciso momento en el que decides lanzarte a un vacío lleno de pinceles, como hizo Amparo Saera y plasma en Autorretrato.

Los mejores años de nuestras vidas... o diez años en la ciudad es el título del artículo que firma Patricia Escoín en la revista del #10nmpnu. Sus palabras rezuman esa singularidad que tanto define a la música y dibujante. Pero no solo sus palabras. La adoración del sol nos muestra a Patricia, pero también su otra cara, la de artista plástica. El pretexto perfecto para que ambos se fundiesen y fluyesen entre las páginas de la revista. Y así, mientras la revista tomaba forma, mientras sus páginas cobraban vida a través de las palabras, las ilustraciones y pinturas llegaban. Cada una con su técnica y singularidad, con la capacidad de tener identidad propia y atreviéndose a presentarnos nuevos significados. Trazos, colores y distintas miradas para seguir sinperdernosniuna, y que ahora también estarán en el Emac. 2019.

Cada una de estas ilustraciones se podrán visitar durante la cuarta edición del Emac., que combina un cartel musical con nombres como el del Soleá Morente, AKKAN, Delaporte, María Jose Llergo, Núria Graham, Vera Fauna o Pleasant Dreams, con la artística, en la que, además de la exposición del #10nmpnu, participa el colectivo PRMA Art, Jana Valouchová, la propuesta colectiva de Cecilia Vidal, Gabriel Flores, Fabricio Ceppi y Marta F. Gimeno, Sara Arnau, Paula García, Ino Grau, Miriam Cano, Gisela Talita, Guillermo Navarro, Salvador Lorente, Raúl Rubio, Zona Vinil, Lola Bonet, el fotógrafo Paco Poyato, Artinwreck y Jonny Casamenti. También las y el artista que participan en la exposición: Sara Bellés, Paula Zorite, Ana Beltrán, Jose Gas y Amparo Saera, quien además firma el mural que acompañará a la exposición. A la parte artística del festival su suma No me toques los copys, que impartirá un taller sobre ilustración y feminismo (sábado 16, 12.00).

>>Artistas Miradas, trazos y colores para seguir sinperdernosniuna - #10nmpnu

Ana Belén Muñoz 'No me toques los copys'.

El principal objetivo de las obras de Ana Belén, que es quien se encuentra tras el suedónimo No me toques los copys, es convertir sus obras en crítica social; aunque asegura que “a veces me pongo romántica y hago una crítica al corazón”. Su aka nace tras una carrera de Publicidad y RRPP y un máster en creatividad con el que se introdujo en el mundo de las agencias. Mientras esto ocurría, nacía No me toques los copys, entonces un proyecto pequeño y personal por el que finalmente acabó apostando, dejando a un lado el mundo de las agencias y la publicidad.

En su técnica ha encontrado la clave; conceptualizar en una frase la idea que quiere mostrar, siempre apuntando a la crítica social con (mucho) humor.

No me toques los copys se encuentra desarrollando distintas obras que tienen el feminismo como foco, una llamada a desaprender aquellas actitudes y expresiones machistas con las que hemos crecido e interiorizado; haciendo algo, a través de su propuesta artística, por cambiarlo.

Podremos ver… “Esta pieza es una crítica a los desorbitados precios que existen en los alquileres de pisos. Pisos que se venden como si fueran mansiones y cuando vas a verlos te encuentras con 50m2. Actualmente los jóvenes españoles nos dejamos más de la mitad de nuestro sueldo en alquilar una habitación y entero si queremos alquilar todo un piso”. 

Sara Bellés, durante el montaje de 'Sentim' en ECO Les Aules.

Formada en diseño, ilustración y bellas artes, Sara Bellés combina su trabajo como retratista con el de artista plástica, ilustración y diseño. A la hora de dar forma a sus obras, parte de un tema que acaba desarrollando en forma de serie con la que pretende transmitir un mensaje conjunto. El ejemplo de esto lo podemos encontrar en su exposición más reciente, Sentim, aún activa en el Espai Cultural Obert Les Aules; una oleada de emociones y sentimientos retratados.

Su técnica se basa, principalmente, en la acuarela, el lápiz, el collage y la lejía. El resultado, trabajos con un carácter delicado, elástico y fresco. Como ella misma nos cuenta, en su proceso creativo la mancha y la línea se complementan, creando e insinuando formas de una manera evocadora y cálida. En este momento Sara se encuentra trabajando en proyectos de ilustración editorial, cartelería y dando vida a una nueva serie de obras.

Podremos ver… “Es una pieza de la serie No oblidar, realizada con técnica mixta sobre papel. Habla de lo importante que es recordar quiénes fuimos para saber vivir nuestro presente”.

Ana Beltrán y su autorretrato en la Nit de l'Art 2017. Foto: Amparo Más.

Si hay algo que caracteriza a Ana es que, pese a que centra su obra en el medio pictórico, no tiene ningún tipo de temor a la hora de combinarlo con la colaboración con artistas de otros campos artísticos; un ejemplo de esto es su proyecto junto al músico David Moliner. Con la pintura como centro de creación artística, las obras de Ana se caracterizan por ser una representación del movimiento a través de la superposición de diferentes poses. Desde hace un tiempo que la producción multidisciplinar empieza a cobrar importancia en su obra a través de distintas colaboraciones con otros artistas. Sus obras incluso han llegado a México.

El punto de partida, la necesidad de exponer sus vivencias, pensamientos y sentimientos a través del lenguaje pictórico; además de reivindicar todo aquello que le mueve y necesita expresar, como en el caso de la mujer y sus roles, representada de múltiples formas en su obra. Las vísceras de su trabajo, como ella misma las llama, nacen de su pensamiento sobre el ser humano, su cultura y contexto: “Transmitir la realidad como reflejo del tiempo actual”, con el objetivo de que sea le público el que le sume nuevos significados.

En su futuro más próximo, una exposición en la sala Dávalos y su participación en la performance Done i Ciència al botànic. También se encuentra sumergida en el desarrollo de nuevas piezas con distintas técnicas. A todo esto se suma un cortometraje de animación (Narcobot) y su gupo SomtreSonS+A.

Podremos ver… “Fly es una pieza que apela a la libertad. Inspirada en una directora de coro, la obra muestra la fluidez de los movimientos sin trabas. La delicadeza de una caricia, la fuerza de un gesto, la expresividad de nuestras manos y la sencillez de la comunicación. Expone la sensación de libertad mediante la amplitud de movimientos y la amplitud de posibilidades mediante la repetición. Forma parte de la serie Anhel d’Enyorança”.

Pat Escoín (y que nunca falten los gatos).

Más conocida por su carrera musical con Los Romeos, Lula, Los Amantes y, el proyecto más reciente, Exfan. Patricia Escoín es música, lo suyo, de siempre, ha sido subirse a un escenario, cantar y tocar la guitarra. Pero también pinta, aunque ella misma describe su trayectoria artística como anecdótica. Lo que está claro es que, de alguna manera, el dibujo y la pintura siempre la han acompañado de alguna forma.

Su técnica es… “Ninguna”. Sus dibujos son sencillos, locos y emocionales. Además, guarda tics de música, ya que asegura que le encanta hacer diez copias de cada dibujo numeradas y firmadas; como si fuesen discos.

Podremos ver… "Es un autorretrato mío en la playa del Gurugú, bastante abocetado y rápido. Se llama Adoración al sol. El mar y la playa son muy importantes en mi vida y en mis dibujos. Es un tema bastante recurrente”.

Jose Gas en el Emac. 2018.

Recuerda haber dibujado desde siempre, aunque no fue hasta hace dos años cuando se centró en esta faceta artística. Su forma de dibujar es geométrica y analítica y su herramienta, un bolígrafo. Con la única intención de que esos impulsos convertidos en dibujos aliviasen cierta tensión mental, Jose Gas empieza a dar forma a la que ya es su gran característica como artista plástico: dibujos más mentales que emocionales, así nos lo explica. Sin intenciones previas, sus dibujos finalizan cuando, de forma totalmente natural, decide que lo hagan.

Jose Gas ahora mismo está embarcado en un par de proyectos musicales, los cuales, de forma irremediable, alcanzan una conexión clara con sus dibujos. Por un lado, la grabación de temas improvisados con sinte fm de los 80’s y, por otro lado, un proyecto junto al próximo trabajo de Pepa Cases.

Podremos ver… “Según la definición de arte abstracto: "El artista abstracto no imita modelos ni trabaja de acuerdo con la inspiración de tipo natural". Si bien es cierto que no existe inspiración previa al comenzar el dibujo cuando paro y lo doy por finalizado es porque, de forma natural, se produce un reconocimiento y continuar sería forzarlo. Así mismo su evolución atiende a un desarrollo orgánico. Como en la naturaleza aquello que comienza a crecer no atiende a ningún tipo de inspiración sino a la expresión de algo vivo, espontáneo”.

Amparo Saera durante una de sus intervenciones.

Licenciada en Bellas Artes, Amparo Saera aprovechaba los ratos que le permitía su trabajo en la restauración de bienes culturales para seguir formándose en ilustración, diseño gráfico y técnicas artísticas. Con el tiempo, dejó la restauración para centrarse en el arte, diseño e ilustración.

En su trabajo imperan las técnicas tradicionales a las digitales, principalmente la acuarela y el dibujo; aunque se atreve también con grabado y el collage. Su obra es un reflejo de pensamientos y vivencias personales, todo aquello que la mueve por dentro: ecologismo, igualdad, la identidad del ser y las raíces, entre las temáticas más habituales. En este momento, Amparo continúa formándose en el campo artístico, concretamente, en el arte sostenible, ya que en este momento se encuentra en un proceso de abrir nuevas vías de trabajo para poder llegar a experimentar con diferentes lenguajes plásticos.

Podremos ver… “Es una obra muy especial pues es un autorretrato en el que plasmo aquel momento en que decidí dejar la restauración y lanzarme a un vacío lleno de pinceles, lápices, pinturas, etc. también retrata el momento creativo pues también lo considero un salto, un dejarse llevar”.

Paula Zorite

Paula Zorite.

Pese a haber estudiado Bellas Artes no fue hasta el último año cuando Paula Zorite se dio cuenta de que la ilustración era su verdadera vocación. Desde entonces, no ha parado de formarse y de alimentarse de otros profesionales, participación en eventos, publicaciones, proyectos, etc. En cuanto a su técnica, priman las ilustraciones digitales, siempre buscando texturas que recuerden a técnicas más tradicionales como el lápiz o la acuarela. Sus obras siempre intentan contar una historia, probablemente sea la razón por la libros, cómics y películas son siempre su mejor inspiración.

Paula se encuentra trabajando en una nueva novela gráfica para adultos que habla, con tintes góticos, de la liberta de la mujer, la muerte, la locura y la familia; con el propósito de publicarlo.

Podremos ver... "El pez de la cabellera blanca surgió a raíz de un cuento adulto que escribí e ilustré hace un par de años. En él, narro el viaje de Erika, una joven que cruza
una tierra inhóspita en busca de una cura para la enfermedad que padece su
hermana pequeña. Dicha enfermedad consiste en la creciente necesidad de
alimentarse de sangre –sobre todo humana– y tiene su origen en una maldición lanzada por una bruja de melena nívea. El pez gigante que aparece en la
ilustración es una de las formas que adquiere este personaje para intentar
acabar con Erika en un momento en el que esta se encuentra cruzando un lago
de hielo. Se trata de una ilustración 100% digital, una de las pocas ilustraciones en las que, apareciendo un personaje principal, éste lo vemos en segundo plano, tomando el
protagonismo un personaje no humano: el antagonista".