Diez 'fruits' del arte contemporáneo CS

Impresión digital sobre cerámica, talla de madera con textos escritos en ella, las posibilidades estéticas de los metales, piedras, videoinstalación, óleo y esmalte... Diferentes vías de comunicación artística dentro de un lenguaje abstracto. Es lo que se encontrará quien visite el Espai Cultural Obert-ECO Les Aules de la Diputació de Castelló con motivo de la muestra Fruit. Bajo ese título se reúnen diez piezas de nueve artistas adquiridas por el departamento de Cultura del ente provincial con la intención de aumentar su fondo de catálogo, al tiempo que ayuda a creadores relacionados con Castellón a través de la propia compra de material y su exposición pública. La última de las exposiciones del equipo del proyecto ReViu Les Aules y también de la diputada provincial de Cultura, Ruth Sanz.

Comisariada por Aïda Antonino i Queralt, Fruit reúne diez piezas presentadas a través de un concurso público más la posterior elección por parte de un jurado de personas relacionadas con las artes plásticas. Damià Díaz, Marcelo Díaz, Pablo Ferrer, Miquel Gozalbo, Altea Grau Vidal (con dos obras), Alejandro Mañas, Marta Negre, Carlos Pesudo y el fallecido Ramón Roig son los autores representados. Puede visitarse hasta el 17 de septiembre (lunes a sábado, de 10:00 a 14:00 y 17:00-21:00).

Damià Martínez

José Damià Díaz Martínez (Alicante, 1966). Estudió Bellas Artes en Valencia. Empezó su carrera en Bruselas. Ha realizado exposiciones en Hamburgo, Valencia, Massatrich…. Entre 1995 y 2002 fue director de arte del festival Nits de la Mediterrània. Le interesa la pintura, el diseño, la instalación, el grabado y, por su- puesto, la escultura.

• ‘Lugar cerámico 1’ (2019)  formó parte de la muestra El camino de la mirada, instalada en 2019 en el Palacio Nacional da Ajuda de Lisboa.  Consiste en una gran impresión digital sobre cerámica que tiene la figura humana en el punto central. Los bustos se repiten en diferentes niveles que se entremezclan con lo arquitectónico, creando una composición onírica que lleva al espectador a reflexionar sobre esa figura humana como observadora de lo que le rodea.

Marcelo Díaz

Marcelo Díaz García (Villasequilla/Toledo, 1950) crea un dúo constante entre la madera y la palabra. Su trabajo escultórico se centra precisamente en las cualidades lignarias de ese material cálido y noble que trata de manera natural. Él mismo etiqueta su técnica como “ talla constructiva”. Al mismo tiempo, la palabra resulta es el canal que aúna todo aquello que le sugiere su alrededor.

• “Te presiento” (2010)  presenta un cuerpo escultórico con unas formas geométricas definidas, de materiales distintos que invita a un recorrido con la mirada. Su libro de poemas Continente de auroras (1996) también es parte de la obra. El elemento natural, la palabra y la composición final aportan las pistas para entender la profunda exploración que sintetiza los objetivos de una larga y heterogénea trayectoria.

Pablo Ferrer

Pablo Ferrer Rabanaque (Valencia, 1978) es licenciado en Bellas Artes, especializado en escultura. Primer premio Ciudad de Segorbe del Concurso Internacional de Arte José Camarón (2012) y Premio Manolo Valdés de Escultura del Ayuntamiento de Altura (2013). Ha participado en muestras como el Festival Incubarte, la Bienal de Escultura de Ciudad Real o la Galería Kramer de Altea. Trata de aportar un nuevo valor a la escultura como disciplina contraponiéndola al mundo virtual.

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  'Puerta a la intimidad', de Pablo Ferrer.

  ‘Puerta a la intimidad’ (2022) pertenece a la serie Me siento mía, donde da voz a mujeres con el objetivo de difundir su derecho a decidir sobre su cuerpo. Usa moldes de escayola para crear después un positivado con materiales de deshecho y de hierro reciclado. Parte del cuerpo y sus formas, con una composición de pequeñas piezas de deshecho, jugando además con el movimiento, creador de un juego de luces y sombras. Un reflexión sobre la sostenibilidad y protección del medio ambiente.

Miquel Gozalbo

Miquel Gozalbo (Betxí, 1961) ha expuesto varias veces en la Galeria Cànem o la Sala San Miguel, así como en otros espacios de Castelló o Burriana, Destaca por su alto nivel en el manejo del nivel. Además, aunque tiene un estilo reconocible, sorprende en cada nuevo proyecto, ya sea con el tamaño o la manera de hacer. En sus esculturas queda patente la sensibilidad de la abstracción y la influencia de la tradición de los años 50, con Julio González o Eusebio Sempere como referentes, pero con su visión personal siempre presente, reforzando lo simbólico.

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  'S. T.', de Miquel Gozalbo.

  ‘S. T.’  (2020) esté hecho con acero corten (habitualmente utiliza el hierro), ya que resiste muy bien el paso del tiempo al generar una capa exterior que protege el interior. La obra trata sobre el tiempo, difícil de medir, que parece detenerse en las piezas metálicas que delicadamente se rozan. La evolución temporal de unas formas que ahora son armónicamente asimétricas.

Altea Grau Vidal

Altea Grau Vidal (Castelló de la Plana, 1985) reside en Inglaterra, pero estudió Bellas Artes y el Máster de Producción Artística en Valencia. Se marchó en 2012 a Londres por la concesión de dos becas que permitían especializarse en los libros de artista, su tema de doctorado. Investiga sobre la noción de doble página, siendo una metáfora para adentrarse en el libro abierto. La confluencia entre texto e imagen, el papel, las palabras y los códigos generados centran su interés. A menudo utiliza el grabado, pero desde la perspectiva en que el proceso adquiere gran relevancia, experimentando con diversos materiales.

• ‘Clar del bosc’ (2021) es un conjunto de tres piezas que derivan de una misma plancha de hierro. Las dos primeras son grabados y la tercera está impresa y dibujada por encima con grafito. Esta simetría generada, acentuada por la repetición, nos habla de la huella y, sobre todo, de la omisión y de la pausa. Por ello referencia a María Zambrano y a sus escritos sobre la ausencia y la presencia, entre lo que es real y tangible.

• ‘Light pressure’ (2022) vuelve a remarcar la importancia del proceso. Una serie de tres trípticos donde se ha dibujado con luz ultravioleta sobre  planchas sensibles a la misma. De nuevo, se repite esa capacidad de accionar lo que no vemos, lo que no está. Predominantemente desde la abstracción, segmenta la obra en partes: echo, fold y reflection, palabras que aluden al proceso de grabado.

Alejandro Mañas

Alejandro Mañas García (Castelló de la Plana, 1985) es profesor en el departamento de escultura de la UPV. Desde la multidisciplinariedad aborda la relación entre misticismo y arte, entre ciencia y filosofía, con el objetivo de conseguir una experiencia total de introspección. Sus investigaciones se centran en épocas tan dispares como el barroco español o el constructivismo de Malévich; tratando de desenmascarar los momentos en los que el ser humano se ha planteado su relación con el cosmos.

• ‘Materia negra’ (2020) fue la pieza central de la exposición del mismo nombre que se pudo ver en Espai Nivi Collblanc, de Culla. Su origen se sitúa durante la pandemia, cuando, en esos momentos de encierro, el artista sale a su terraza y mira al cielo. Así comienzan una serie de preguntas existenciales ante la inmensidad que se tornan físicas mediante las piedras colgantes que coloca, representando la simbiosis del ser humano con lo terrenal. Acompaña el contrapunto histórico, con un grabado de 1649 donde dos figuras ya tratan de descifrar las grandes preguntas de la humanidad.

Marta Negre

Marta Negre (l’Alcora, 1981) se licenció en Publicidad en la UJI, enfocándose hacia la producción artística, con especialización en Pensamiento Contemporáneo y Cultura Visual. Sus vídeos cortos cuentan con una voz femenina que guía al espectador dentro de los conceptos a transmitir, acompañado por una profunda documentación. Una estética muy característica, con humor velado y resaltando el potencial de las imágenes.

• ‘Big_Love_Data’ (2022) ha sido seleccionada para el Premio Mardel de Artes Visuales y el Premio Senyera. La crisis de la identidad contemporánea y el sujeto interrelacionado en un contexto de digitalización masiva, representados a través de tres personajes que se mueven de forma ingrávida, a la manera de ciborgs, con una voz en off que nos habla del narcisismo-depresivo, el vacío del cuerpo, la sublime existencia. Todo ello no lleva a ese cuerpo de datos por el que nos alejamos de la realidad. En medio de todo este “ritual afectivo” la capacidad de abstracción, de embelesamiento propio, es necesaria para anular el pensamiento. Un ensayo sobre un nuevo tipo de amor.

Carlos Pesudo

Carlos Pesudo (Castelló de la Plana, 1992) estudió en Valencia y Budapest (Rumanía), residiendo en la actualidad en Madrid. Su obra está representada por la Galería Herrero de Tejada de Madrid y ha sido distinguido con el Premio Marte de Castelló y el Premio Adquisición Kells Art Collection, entre otros. Su pintura realiza un proceso muy personal en el que la imagen representativa se va desmembrando, en un juego con la forma para que el observador reflexione sobre la verdad de los resultados y la ambigüedad de la imagen elegida.

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  'Una langosta mira a la luna', de Carlos Pesudo.

  ‘Una langosta mira a la luna’ (2022) forma parte de It doesn’t belong to us (No nos pertenece), un proyecto iniciado en Berlín gracias a una residencia artística. Utiliza un lenguaje totalmente abstracto, experimentando con la repetición y la inclusión de elementos icónicos, al tiempo que busca desvelar la imagen desde su trazo. En esta obra no cuenta con una referencia concreta desde la que partir, usando formas elementales. Con el título da un pista de lo que podría llegar a ser, pero nunca es.

Ramón Roig

Ramón Roig (Orpesa, 1963-Barcelona, 2016) se licenció en Bellas Artes en la Universitat Sant Jordi de Barcelona. Instaló su estudio en el barrio del Born y se relacionó desde joven con la actividad artística de la ciudad, al tiempo que viajaba por el mundo con el objetivo de empaparse de cultura y arte (Suiza, Alemania), residiendo también en Nueva York (años 90) y Pekín (2000), siendo uno de los primeros artistas españoles en exponer en galerías privadas chinas. En sus pinturas, el surrealismo entre lo abstracto y lo figurativo son claves.

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  'Luminiscentes', de Ramon Roig.

  ‘Luminiscentes’ (1990) posee un juego de luces que se sigue con la mirada. La verticalidad guía hasta el punto central, donde el detalle y la curva de las líneas indican el lugar donde la acción parece ocurrir. Este óleo sobre tela pertenece a una primera época en Barcelona, donde se rastrea un imaginario propio centrado en el proceso pictórico y en la experimentación del color.